Obra Original "Mariposas"

Siendo amante del movimiento DaDa quería construir algo que siguiera estos patrones. Algo que fuera espontáneo, con materiales alcanzables. No tenía una idea fija de lo que quería realizar, lo fui haciendo con en el momento. Los colores del fondo están inspirados es el cuadro de Johannes Vermeer "La Joven de la Perla", mientras que el collage sobrepuesto representa el rompimiento de la tecnología. De nuevo una referencia a la inspiración del movimiento dadaísta en donde se hacia referencia a la revolución industrial plasmando "partes" de esta en sus cuadros. Yo lo haría en torno a la revolución tecnológica y como rompiendo estos elementos se pueden encontrar figuras nuevas. Como "mariposas".

Ugo Rondinone

Colores brillantes, extravagancia y fantasía son palabras que caracterizan la obra de Ugo Rondinone.

"Clockwork for Oracles" Ugo Rondinone

En su obra "Clockwork for Oracles" nos muestra espejos entintados y enmarcado para similar ventanales. El nombre proviene del poema  de Edmond Jabés. Podemos observar la metáfora en donde Rondinone nos colorea la realidad. Nos hace ver el reflejo de nuestro entorno de una manera diferente. Su arte es impresionante, enorme.


"El variado trabajo de Rondinone captura la sensibilidad irreverente del pop con un tono profundamente introspectivo".
Bridget Hanson, curadora.

Esta obra fue comisionada para Instituto de Arte Contemporaneo de Boston. La técnica exacta que utiliza el artista para conseguir los colores en los espejos no se conoce. Como el artista su obra tiende a estar llena de secretos.
Es interesante pensar que utilizamos las ventanas para ver una realidad fuera de nosotros, Rondinone nos   abre una ventana para observarnos a nosotros mismos pero desde una nueva perspectiva. Una perspectiva Technicolor; de una forma vibrante, divertida y juguetona.
La instalación en el Art Wall del Instituto contemporáneo de Boston consiste en 52 ventanas de distintos colores. Madera reciclada y páginas encaladas del periódico "The Boston Globe" complementan esta instalación. Criticada por su superficialidad la obra de Rondinone suele ser un poco polémica. Aunque también ha sido comparado con un Rothko moderno. Esto queda a consideración personal, pero su obra debe ser vivida, ya que es una experiencia sensible.
En la Galería de Arte NSW uno de los museos más prominentes de Australia de puede conseguir la obra de Rondinone, cada ventanal cuesta alrededor de $ 6, 850. También se puede ordenar su obra en varias páginas de internet como www.artnet.com

Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Ugo_Rondinone
http://www.icaboston.org/exhibitions/exhibit/rondinone/
http://www.examiner.com/museum-in-boston/clockwork-for-oracles-at-ica
http://www.findartinfo.com/search/listprices.asp?keyword=85503
http://www.artgallery.nsw.gov.au/channel/clip/229/

Camille Pissarro

Estudioso de la luz y su efecto en los colores Camille Pissarro es uno de los grandes exponentes del Impresionismo. Con un estilo único que lo caracteriza Pissarro es un erudito de las estaciones y sus cambios; con una forma particular de plasmar la naturaleza y su atmósfera. Creando hermosos paisajes Pissarro podía pintar cualquier hora del día.

Camille Pissarro nació en la entonces isla de Santo Tomás en 1830. Celebrado por sus hermosas contribuciones al Impresionismo y al Post-Impresionismo francés. Afortunado alumno de los maestros Corot y Courbert siguió su idea de pintar la naturaleza sin alterarla. Era el mayor de los pintores impresionistas y de alguna manera una figura paterna para todos.

Pissarro formó parte del Salón de los Rechazados. Creía que cuando se pintaba la naturaleza se debía hacer pintando todos los elementos al mismo tiempo, hacerlo con rapidez y fluidamente. Siempre que pintaba una escena prefería terminar su cuadro al aire libre. Trabajo en una cercana relación con Monet, Cezanne, Renoir y Degas.

Autorretrato Camille Pissarro

Pissarro fue el único impresionista que participó en todas las exposiciones del movimiento en Paris. Su obra cuenta con mucha diversidad en cuanto a los sujetos que pinta. Con una gran diversidad artística sus temas van desde bodegones, paisajes, escenas de la vida cotidiana y retratos.

Después de conocer a los pintores Seurat y Signac Camille es introducido al puntillismo, pasa cuatro años pintando con esta laboriosa técnica, que abre paso al movimiento Neo-Impresionista. El movimiento es abandonado por el pintor debido a que sentía que era muy artificial.

Se conoce mucho de la vida de Pissarro por la correspondencia escrita entre él y su hijo Lucien. Aparte de los comentarios que Lucien dijo acerca de su padre. Aparte de ser un excelente pintor Camille Pissarro es recordado y reconocido en el ambiente artístico por ser un gran maestro. Numerosos artistas aprendieron de Pissarro, el brindaba su fuerza artística sin ser impositivo.

El Jardín de Pontoise

Personalmente creo que el trabajo de Camille Pissarro es bellísimo, el admiraba la naturaleza y entendía la forma en la cual la luz jugaba un papel importante en la expresión estética. Sus cuadros avanzan en cuanto a técnica con el tiempo y la definición y hermosura de sus figuras también. Es reconfortante estudiar la vida de un artista y saber que también, de acuerdo a quienes lo rodeaban, era una persona maravillosa.

Referencias

http://www.absoluteastronomy.com/topics/Camille_Pissarro

Camille Pissarro, María Teresa Benedetti. Planeta 1998

El Impresionismo: Arte, ocio y sociedad, Robert Herbert. Alianza 1989

http://es.wikipedia.org/wiki/Camille_Pissarro

Coatlicue

Coatlicue Museo de Antropología

Escribe Bernal del Castillo cuando se encuentran las ruinas del Templo Mayor en 1790 :

“…estaban dos bultos como de gigante, de muy  altos cuerpos y muy gordos y el primero que estaba a mano derecha, decían que era Michilobos, su dios de la guerra y tenían la cara y rostro muy ancho y los ojos diformes y espantables. Luego vino a otra parte de la mano izquierda, estar el otro gran bulto del altar de Michilobos y tenía un rostro como de oso, y unos ojos que le relumbraban, hechos de espejos… y tenía el cuerpo con unas figuras como diablillos chicos y las colas de ellos como sierpes. En aquella placeta tenían tantas cosas diabólicas de ver…” 

Coatlicue fue una de los dos bultos que se encontraron. Coatlicue que en nahuatl significa la "falda de las serpientes" es la madre de todos los Dioses del panteón azteca. Cuenta la leyenda de Coatlicue, que ella, diosa de la tierra y de la fertilidad barría el templo cuando una bola de plumas brillantes cayó del cielo y la fecundó. Sus otros 400 hijos e hijas estaban muy ofendidos por el suceso, ya que las Diosas sólo podían tener hijos con otros Dioses. Entonces liderados por Coyolxauhqui una de sus hijas, planean matar a su madre.

En el momento en que le cortan la cabeza, nace el pequeño que llevaba dentro del vientre. Huitzilopochtli, su hijo nace armado y vengó a su madre matando a muchos de sus hermanos y convirtiéndolos en estrellas. Mientras que a Coyolxauhqui la desmembra toda y arroja su cabeza al cielo la cual se vuelve la luna. Mientras que el resto de su cuerpo se quedaría en la garganta de una montaña por la esternidad.

Coatlicue está representada sin cabeza. Existen muchas leyendas sobre lo que quiere decir esto. Algunos dicen que es por que es la Diosa de la tierra y al mismo tiempo del cielo, otros porque es la representación que se le da después que su hija le corta la cabeza. Coatlicue era conocida por ser poderosa y furiosa. Tiene garras en las manos y en los pies, debido a su fuerza. También lleva una falda de serpientes entrelazadas de la cual recibe su nombre. Lleva el pecho cubierto por cráneos y en las manos corazones humanos que representan a sus hijos sacrificados, hijos porque es la Diosa madre de todos nosotros. Su cabeza la sustituyen dos cabezas de serpientes encontradas, esto es el símbolo de la dualidad que sucede al crearse el universo. Sus pies están sobre dos cráneos que fuera de vista sostiene Tlaloc.

Durante la visita al museo una señora que escuchó la exposición nos recordó que debemos confiar en los Dioses de nuestros antepasados. Ella dijo que Coatlicue es la Diosa madre de todos los hombres y que aunque lo sintamos nunca estamos solos. Creamos o no en esto, es bonito pensar que los Dioses de lo antepasados están aquí también para nosotros.

http://nuevadominion.com/eternia/foro/viewtopic.php?t=243

Descripción Historica y Cronológica de las Dos Piedras. Antonio de León y Gama 1949 Porrua.

Coatlicue Estética del Arte Indígena Antiguo. Justino Fernández. 1959 Instituto de Investigaciones Esteticas UNAM.

Lilia Carrillo

 

En la ciudad de México, el 2 de Noviembre de 1930 nació la pintora mexicana Lilia Carrillo. Rebelde e Intelectual Carrillo forma parte de la Generación de la Ruptura mexicana. Es ella quien introduce el informalismo abstracto en México. Partiendo de la espontaneidad y los lienzos en blanco su obra se ha llamado muchas veces pintura lírica, una obra poética, término con el cual Lilia no estaba completamente de acuerdo.
Estudió con el maestro M. García Lozano cuando todavía era muy joven, ya que desde pequeña mostró interés en la pintura. A los 17 años ingresó en la escuela "La Esmeralda" donde estudió durante cuatro años. En 1951 al salir de la escuela el filósofo Ricardo Guerra le propone matrimonio a Rosario Castellanos pero se termina casando con Lilia.En 1953 viaja becada a París; allí estudia en la Academia de la Grande Chaumiere y expone en la Maison du Mexique y en la Exposición de Artistas Extranjeros en Francia . También nace en Francia su primer hijo. En 1955 cuando regresa a México nace su segundo hijo.

Durante esta época tenía muchas exposiciones regulares en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México. Ganadora de la convocatoria ESSO, Carrillo fue parte de mucha polémica pues venía a romper con la corriente de pintura política que prevalecía en aquella época. Sus pinturas son arte puro, que reflejan humanidad. A veces tristes, a veces llenos de fuego son instantes de vida plasmados. Expresiones vividas en un lienzo.

En 1960 Carrillo se casa con el también pintor Manuel Felguérez. A partir de 1960 su obra se exponía ya en Washington, Nueva York, Tokio, Lima, São Paulo, Madrid, Barcelona, Bogotá y Cuba. En 1966 es parte de una exposición en el palaco de Bellas Artes llamada "Confrontación 66" en donde después de una agresión y un enfrentamiento con los pintores mexicanos de la escuela política de pintura nace la Generación de la Ruptura. 

En 1967 su madre quien padecía cáncer decide suicidarse mientras su nietos están fuera de casa. Con el silencio que la identificaba Carrillo sufre sin mostrar nada, plasmando todo en sus pinturas. Lamentablemente en 1969 un aneurisma en la médula espinal la deja en silla de ruedas y la aleja parcialmente de la pintura. En 1974, dejando un lienzo inconcluso, Lilia muere a causa del mismo aneurisma.

El crítico peruano Carlos Rodríguez Saavedra escribió:

“Óleos ejecutados con una gran economía de medios, ligeros de materia, líricos de espíritu, de un colorido sutil y en los que la composición se ordena sin presión ni peso. Los collages revelan otro aspecto de su naturaleza de artista. Impregnados de un aliento surrealista- escapando sin embargo de esta clasificación- se sitúan en un plano puramente sugestivo, en el que la calidad de los elementos pegados- los recortes, las alas de mariposa, los trozos de tela- adquieren un nuevo valor expresivo y se funden en una atmósfera turbadora”.

El crítico español Ramón Faraldo:

“Se halla lejos de lo abstracto y lo figurativo, o mejor, después de lo uno y de lo otro. Ella prueba que cabe hacer pintura viviente, no figurativa, ni lo contrario, no arqueológica, ni vindicativa, no otras cosa que verdad, no otra cosa que pintura.”

Al hablar de su obra dice: “Soy bastante espontánea para pintar. Estoy tratando de construir más, pero pinto de una manera sumamente directa y muy emotiva. Pienso previamente la composición ; por ejemplo, he pensado que en esta superficie comenzaría por esta línea, y partiendo de esta línea he ido formando mi cuadro. Es a través de las sugerencias de una línea o de otro elemento de origen que voy trabajando en el cuadro”.

La obra de Lilia Carrillo es etérea, delicada y sutil pero al mismo tiempo tiene la capacidad de mostrar mucha fuerza y energía. Sigue siendo incomprendida y muchas veces olvidada, tal vez por que murió demasiado joven. Aún así gracias a su capacidad de mostrarnos su mundo, sus instantes sobre los lienzos es una de las pintoras mexicanas más importantes.

Fuentes:

"Ser y Ver. Mujeres en Las Artes Visuales". Raquel Tibol, Plaza & Janés 2002 

"Nueve Pintores Mexicanos". Juan García Ponce. DGE Ediciones, UNAM 2006.

¿Arte o no?

El artista Estado Unidense Brent Owens nos presenta esta pieza llamada "Dingbat".
Él basa su arte en en la cultura folk del sur de Estados Unidos de donde él proviene. Al observar otras de sus obras me doy cuenta que intenta hacer una muestra de la cultura de masas norteamericana. También probablemente una crítica hacia la misma.
Si nos enfocamos en esta pieza en particular es difícil encontrar el significado de lo que intenta expresar. Por lo menos para mí. No es particularmente estético ni existe un trabajo muy laborioso enfocado a los detalles. Esto me lleva a cuestionarme si consideramos a una persona un artista también debemos considerar todas sus piezas como obras de arte. Yo opino que esto no siempre es cierto.
En lo personal yo no consideraría esto una obra maestra. Puede ser que el propósito de la obra sea causar  duda o un cierto tipo de aberración. Eso ciertamente lo logra, pero desde un punto de vista estético causa cierta repulsión, o podría solo provocar confusión. Regresamos a que sólo podemos suponer las intenciones artísticas de una pieza ¿Pero si no son concretas ?¿Se puede considerar cómo arte?

Neoclasicismo

   El Neoclasicismo es una corriente artística que proviene de un de una reacción contra el Rococó a mediados del siglo XVIII. El movimiento está enfocado en el arte puramente clásico, inspirado en los modelos de la antigüedad Grecorromanos. Empieza de la mano con la Ilustración por lo que las artes no sólo están estrechamente entrelazadas con la filosofía de la época si no también profundamente arraigadas a la tradición del pensamiento de la edad moderna.
    El principio filosófico de Descartes influyó en el cambió de pensamiento pues la búsqueda de la verdad se centraba en el "yo pienso" (ego cogito) y no en el "ya pensado" (cogitatum). Se entiende por esto nuevas formas de pensamiento que no estaban preestablecidas.
    También es una época de separación con la Iglesia, de criticismo. Leibiniz crea el concepto de Teodicea que dice que: "Al existir mal en la creación también Dios debe justificarse ante los hombres, como los hombres se justifican ante Dios".
Dentro del arte se crea el punto de vista, la perspectiva y en la arquitectura aparece el concepto de planeación con razón.

El mayor exponente del arte Neoclásicista es Jaques-Louis David quién nace en en París en 1748.La obra de arriba es su autorretrato. Artista y activo revolucionario, David fue encarcelado tras la caída de Robespierre del poder para después unirse al imperio Napoleónico. Fue su búsqueda de la Belleza Ideal  y su "gran estilo" lo que deja huella en la historia. En 1781 pinta "Belisario pidiendo limosna" pintura que se considera como la primer obra Neoclasicista.

"El juramento de los Horacios" creado en 1784 por David causó una sensación en exposiciones en Roma y París. Desde las excelentes críticas en 1785 se considera como el manifiesto de la pintura neoclacisista. Esta pintura realizada a cargo de del Rey Louis XVI de Francia, es un saludo romano, intenta exaltar un sentido nacionalista. Se realiza cinco años antes de la Revolución Francesa. Irónicamente David da su voto para matar al Rey durante la Revolución.
Se puede observar la influencia Grecorromana, tanto en el tema como en las figuras. La obra muestra al padre Horacio haciendo un juramento con sus hijos mientras Camila Horacio y Sabina Curacio sufren detrás. La historia es la guerra de los Horacios, trillizos que por órdenes de su padre pelean con los Curiacios. Hacen una guerra a pesar de que una hermana de los Horacios (Camila) está prometida con un Curacio y una hermana de los Curacios (Sabina) está casada a la familia enemiga.
Se puede observar como esta obra cuenta una historia, utiliza colores duros específicamente para mantener la atención sobre los personajes.

Los principales países exponentes del movimiento son Francia, España, Italia y Alemania.

    La arquitectura durante este periodo busca ser funcional, monumental y lógica. Se intenta dejar atrás el estilo rebuscado y seguir los modelos grecorromanos y racionales. 

La entrada del Downing College en Cambridge .

El Neoclasicismo es un época de desligue con la Iglesia, de Ilustración y humano-centrista. Se busca la perfección de las figuras dentro del arte y también contar una historia en las pinturas. Se basa en el arte grecorromano. En la arquitectura se busca la lógica y construir monumentalmente pero dejando atrás la idea del barroco. 

Bibliografía

El Neoclasicismo y Romanticismo. Rolf Toman. Editorial ED KONEMANN

Historia Universal del Arte, Del Rococó al Neoclasicismo. Espasa Calpe. España 2000.

El arte en el Dada

¨La fuente¨de Marcel Duchamp es una de las piezas más famosas del movimiento dadaista. Hecha en 1917 este objeto es a lo que Duchamp llama un objet trouvé o un objeto encontrado o prefabricado. 
El movimiento Dada es un movimiento cultural que se enfocaba en la anti racionalidad y en el anti arte. Buscaba burlarse de el movimiento artístico burgués y de la filosofía positivista.
Esta pieza ha causado revueltos para decidir si es una pieza de arte o no.
En lo personal lo considero una obra de arte por la noción que Duchamp quería exponer. personalmente pienso que buscaba confrontar todas las ideas preconcebidas que existían sobre el arte moderno cuando crea esta pieza.
Podemos cuestionar la belleza estética del objeto, también el hecho de que era un objeto ya existente que el artista compró y firmó con un pseudónimo. Pero para definir si es arte o no debemos considerar las intenciones políticas e ideológicas detrás del mismo. Debemos también tomar en cuenta que es un objeto escogido con el propósito de crear una división de opiniones, una catarsis.
Desde mi punto de vista esa filosofía es más imponente en un objeto artístico que la belleza puramente técnica. 

Primer boceto y pintura "El árbol de la vida"

Boceto: lápiz y pastel

Pintura : Temple y acrílico

Empecé sin una idea clara cuando hice el boceto. Me fui dejando llevar por las figuras que dibujaba. Al final quería pintar algo que reflejara un poco mi visión ideal del mundo. "El árbol de la vida" representa una unión de la naturaleza y el ser humano. Todos provenimos y dependemos de la tierra. Busqué hacer una mezcla de colores que no necesariamente fuera realista pero diera la impresión de un campo saturado  y un cielo un poco surrealista.
En la actualidad creo que ya no existe un respeto por el mundo y hay una desconexión con la naturaleza. Dentro de la pintura podemos tomar al ser humano como la raíz, la raíz del problema y así mismo de la solución.

Fotos que tomé en Italia

¿A dónde quiero ir y de dónde vengo?

Mi nombre es Leticia. Lety para casi todos menos  las listas de los primeros días de clases.Lo que me gusta normalmente varía según mi edad, humor, el clima y el día de la semana. Una buena película siempre me interesa y a veces una mala me interesa más. Me encanta la música y el teatro me fascina. Eso sí, sólo el teatro bueno, o en el que en mi no tan humilde y a veces terca opinión es bueno.Me gusta lo que me gusta. Me dicem que cuente un poco de mi experiencia últimamente y la única verdad es que llevo algunos años flotando por la vida. Probando diferentes cosas y buscando sobretodo algo que en el futuro me haga feliz. "¡Ay! que serio suena eso" piensa Remedios. Empecé  una de mis pasiones a los dieciséis cuando me fui a vivir a India dos años. Viajar probablemente me llena casi tanto como el amor. Desde los diecisiete he intentado conocer lugares y lugares y pasar tiempo y tiempo en ellos. Mi última aventura fueron tres deliciosos meses en el sur de Italia donde casi todo lo que hice fue disfrutar de una gastronomía exquisita de la que me aprovechaba hasta casi reventar. También aprendí un poquito de Italiano. Pero en realidad me fui a comer.  Entro a comunicación después de estudiar teatro porque es el lugar común de todas las cosas que me atraen. Porque me quiero desarrollar en este ambiente y porque al final Me gusta lo que me gusta.